Женя Николаева – талантливая молодая художница и искусствовед с интересным взглядом на искусство и окружающий ее мир. Это творческая личность, которая находит интересные метафоры для описания самых разных идей и мыслей. В интервью порталу Женя рассказала о своих проектах и о том, какими она видит современных художников и современное искусство.
|
Женя Николаева художник, искусствовед |
Работы Жени Николаевой были представлены на выставках в галереях К320, МУХА, Reloft Art, на фестивалях современного искусства DOCA в Москве и «Аленький цветочек» в Санкт-Петербурге. Не так давно художница приняла участие в проекте «Азы» от NII Sreda, после чего приняла решение пройти обучение в «Свободных мастерских» ММОМА.
Сегодня Женя продолжает развивать авторский стиль, регулярно участвовать в выставках и арт-событиях. Этим летом ее итоговые проекты «Свободных мастерских» будут представлены на площадке, открытой для посетителей Московского музея современного искусства.
– Женя, с чего начался Ваш путь в современном искусстве? Почему выбрали для себя именно эту сферу деятельности?
– Я окончила Санкт-Петербургскую художественно-промышленную академию им. А.Л. Штиглица по направлению «Транспортный дизайн», параллельно обучаясь теории и истории искусств в Санкт-Петербургской академии художеств им. Ильи Репина. Там я тоже старалась решать проблемы дизайна, но, погружаясь в изучение истории искусства, осознала, что это намного важнее, так как понимание разных культур и эпох меняет человека изнутри и помогает осознать себя в этом контексте.
Постепенно мое внимание переключилось на ручную графику. Этому способствовало мое легкое разочарование в индустрии дизайна. Я чувствовала потребность отобразить свое ощущение реальности, меня это захватывало. Так со временем я всё больше уходила из дизайна в область современного искусства. Сегодня мне интересно развиваться в этой сфере.
– Что Вы считаете самым интересным и ценным в искусстве?
– Для меня художники – это «нервная система» человечества. Если рассматривать наш вид как единый организм, то именно художники являются в нем тем «органом» или «группой органов», которые откликаются определенными сигналами на процессы, происходящие в мире и обществе. Иногда мы не можем объяснить, что с нами происходит, но психика уже выдает какие-то рефлексы и включает различные механизмы предотвращения, защиты или обнаружения некоего импульса. По сути, художники делают то же самое.
По искусству разных эпох мы можем считывать ментальную карту времени, образ мыслей, философию людей из прошлого. Это помогает понять, каким был человек тогда и каким был его мир.
У меня на стене висит плакат, который я привезла из Баухаус-музея, где побывала во время работы над своим дипломным проектом. На этом плакате есть цитата директора школы Баухаус: «Каждое время имеет свою форму». Это фраза, которую можно трактовать по-разному – не только с точки зрения формообразования и стилистики.
– Какие темы для Вас важно поднимать через свое творчество? О чем важно говорить со зрителем?
– Я редко работаю с заранее заданной темой, чаще всего строю работу на основе некоего зарождающегося чувства, которое мне сложно объяснить словами. Мои проекты представляют собой попытки сконструировать опыт зрителя таким образом, чтобы он ощутил что-то схожее с тем, что ощущаю я. При этом сформулировать мысль на вербальном уровне у меня получается лишь в процессе работы, обсуждения идеи с друзьями, изучения результатов каких-либо современных исследований. Я каждый раз удивляюсь, когда встречаю очень точное описание моего еще не сформулированного чувства в книгах других авторов.
На мой взгляд, художнику важно говорить о том, что его волнует до глубины души, проявляя максимальную искренность. Я бы метафорично сравнила художника с «человеком без кожи». Его внутренний мир оказывается на виду через его творчество. Часто художник предельно открыт и уязвим.
Что касается лично меня, то сейчас я много работаю с темой хрупкости, пограничных состояний, равноправных отношений человека и природы.
– Какие свои художественные проекты Вы считаете наиболее значимыми? Почему они для Вас особенно важны?
– Довольно много проектов сейчас находятся в процессе создания. На данный момент, например, я рассматриваю явление мира как что-то монолитное, имеющее единую материю для всех существ. Мне кажется важным чувствовать всё вокруг частью нас самих, бережно и уважительно относиться ко всему, что нас окружает.
Еще одна волнующая меня сегодня тема связана с пограничными состояниями. В проекте «Колыбельная» я затрагиваю тему страха смерти. Эту работу я начала пару лет назад, она включает достаточно сложные для реализации вещи, но, надеюсь, все идеи будут воплощены в жизнь.
Как я уже упоминала, мне сложно описывать свои идеи в процессе работы, пока они не перешли в стадию законченности. Поэтому, наверное, объяснить, почему эти проекты для меня важны и что они собой представляют, я смогу только тогда, когда уже буду видеть финал своего труда.
Одним из самых значимых из уже реализованных проектов для себя я считаю проект «Образы». Его название возникло от слова «образа», то есть иконы. Это мой переходный этап от дизайна к современному искусству. Проект состоит из нескольких графических работ, в которых глаза животных подсматривают через окошки паспарту за тем, как мы живем в своей реальной жизни. Их взгляды выражают неопределенные эмоции, разную степень ужаса или сочувствия. Я бы сказала, что этот проект передает мое восприятие отношений реальности с духовным миром. Долгое время мне было сложно его транслировать.
Еще один важный для меня проект недавно был представлен на Международном фестивале современного искусства DOCA.
– Действительно, Ваш проект на фестивале DOCA, судя по откликам зрителей, произвел на них одно из самых больших впечатлений. Что это была за работа?
– Работа над проектом началась постепенно и в некоторой степени неосознанно. В какой-то момент, когда я ощущала особую тревожность, я решила загрузить себя рутинной работой, помогающей контролировать эмоции. Так я начала собирать советские новогодние игрушки. Купив первые пять, я поняла, что хочу использовать их как средство для выражения своих чувств через творчество, а не просто как украшения для елки.
Изначально я собирала по большей части игрушки в форме зайчиков. «Белый кролик» показался мне неким символом детства всего моего поколения – даже те из моих сверстников, кто не любил сказку про Алису в Стране чудес, знали множество цитат из этого произведения. Этот образ часто появляется в других моих работах, отсылая к метафоричной роли персонажа. В новом проекте я собрала 92 игрушки-кролика и перекрасила их, сохранив идентичность каждого отдельного образа: переносила заново все цвета нарядов, эмоции, оставляла на месте сколы, лишь немного стараясь укрепить хрупкую основу.
В итоге у проекта получились две части: фотографии «семеек» из прошлого (каждая «семейка» – это игрушки, приобретенные мною из одних рук) и инсталляция с перерожденными кроликами, которые разделились на группы и стали противостоять друг другу, утратив свои прошлые «семейные» связи.
«За белым кроликом» – это история про утерянную способность решать конфликты, а также про нашу тягу к эстетизации жизни, которая, к сожалению, не помогла нам научиться сильнее ценить друг друга. И хотя наши травмы действительно можно прикрыть нарядными деталями, «сколы» всё равно останутся на месте. Я бы сказала, что этот проект – моя рефлексия на определенные события в современном мире.
Кроме того, на проект наложилось мое желание поработать со стеклом, что на самом деле довольно сложно. Я давно хотела освоить этот медиум. Так в одном проекте пересеклись темы хрупкости, детской мечты, травм прошлого и феномен доминантного поведения человека в окружающем его мире.
– В чем Вы видите главную уникальность и ценность именно современного искусства? Какое оно, на Ваш взгляд?
– На мой взгляд, сейчас художники проговаривают все волнующие их темы. И это действительно особенность современного искусства, потому что долгое время было не принято говорить о многих вещах. Сейчас мы будто решили манифестировать сразу обо всем.
Современное искусство довольно разное: искреннее, коммерческое, отшельническое, обращающееся к культурным кодам, концептуальное, партиципаторное… Еще можно подобрать огромное количество прилагательных. Современное искусство позволяет человеку заявить о проблеме через всевозможные инструменты и медиумы.
– Современное искусство понятно далеко не каждому современному зрителю. Как Вы считаете, как сегодня можно сделать эту коммуникацию художника с миром более эффективной?
– Самая токсичная установка, рвущая связь современного искусства и зрителя, – это утверждение, что искусство должно радовать. Я с удивлением встречаю подобные лозунги, которые до сих пор используются в маркетинговых ходах даже крупных музеев. Я всегда иронизирую на этот счет, представляя, как же, наверное, радовались современники Караваджо изображению вздутых тел на полотнах по мотивам библейских сцен.
Сейчас искусство максимально близко к зрителю, институт критики находится в кризисе, художник обращается напрямую к аудитории. Часто достаточно быть готовым проникнуться работой, проанализировать «а что я чувствую?», и это уже откроет не меньше половины смыслов, заложенных автором.
Хотя, конечно, подготовленному зрителю намного легче коммуницировать с произведениями, так как общий контекст будет объединять. Однако это не значит, что у неподготовленного зрителя нет никаких шансов на сближение с искусством. Важно быть открытым.
Как еще зритель может приблизиться к пониманию? Можно интересоваться философией XX–XXI вв., изучать творчество авторов этого же периода, чтобы понять, почему искусство так сильно изменилось. К сожалению, мы были вырваны из исторического хода освоения этих тем и наследие авангарда начинает приживаться в умах только сейчас, а ведь после него прошло уже более 100 лет и было много чего еще сделано.
Виктория Гусакова,
информационное агентство «О людях»
Иллюстрации фотографа Дианы Мазокиной и из личного архива героини публикации
